Arte Contemporáneo e-Galería

Blog de arte contemporáneo

Galería de arte contemporáneo de Artebay es a la vez un centro cultural dinámico y el corazón de una red internacional de galerías de arte.
Los visitantes pueden experimentar las exposiciones especiales del arte moderno y contemporáneo, artículos por artistas y críticos y comprar artículos de arte.

Carlo Boldrin

Nacido en Ceregnano en noviembre 1952.
Empezó a aplicarse a la fotografía artística en 1969 en Milán en el Master G. M. Estudio fotográfico de Sandre; tiempo después desarrolló su carrera de fotógrafo profesional publicidad de investigación artística empresa.
Muchos artistas famosos de mundo contemporáneo como: John Cage, Joseph Beuys, Nam June Paik, Giuseppe Chiari, Geoffrey Hendricks, Takako Saito, Joe Jones, Charlotte Moorman, Hermann Nitsch, Heinz Cibulka, Otto Muehl, Marina Abramovic, Urs Luthi, Joseph Desiato, Toby Cole, Thierry Parmentier Fabian Alejandro Hojman y Marcel Marceau, fueron sujetos de sus fotografías.
En sus fotografías se repiten cuerpos colocados sobre plataformas o pedestales, “fijo” como esculturas expresivas poses estáticas y antinatural.

Pablo Gazal

Nacido en Buenos Aires en 1969. Graduated from the Art School Prilidiano Pueyrredón in that city. He has developed a paint that calls itself “abstract symbolism”, which is a metaphysical question of human existence. He has exhibited and sold his works throughout the world.

Manfredo Massironi

"Hablar y pensar en Mah equivale a recorrer la historia del arte de la investigación perceptual del último medio siglo. El clima artístico en la década de 1950 se caracterizó en General por una atmósfera informal, un arte en mi opinión fácil, que lo único que podían hacer, en la medida en que la degeneración condujo a tener pinturas de pollos y monos con resultados que no son diferentes a las de artistas.

Sin embargo, alguien llevó a este clima reinante tratando de tomar nuevos caminos pertenecen al mundo mental de do. Hombres jóvenes que trabajaban en lugares distantes uno del otro y de condiciones, fondo y muy diferentes experiencias formativas, a menudo sin saber de la existencia de uno al otro, incluso histórico o crítico, no sea que alguien había teorizado lo que estaba sucediendo.

Pero cuando diversas circunstancias llevaron a conocer, inmediatamente reconocidos como sujetos de la misma forma de sentir, más orientado al diseño y la arquitectura, Sociología y psicología de las tendencias artísticas individuales. Una germinación espontánea, que debería haber coagulada alrededor de Mavignier Almir para empezar a "nuevas tendencias". Y Manfredo Massironi estaba entre gente joven." (Getulio Alviani, en Flash Art n. 274, Febrero-marzo 2009)

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Irene Kowaliska

"Frente a la obra de Irene Kowaliska te quedas sin palabras, literalmente, en silencio. El blanco que rodea su figura pequeña captura el silencio de Dios. "Para ti solo el silencio es alabanza adecuada, o Signore, o Irene ", se puede decir.
Esto subraya nuestra creencia de que por Vietri, tra le due guerre, pasado un solo artista absoluta, sólo un poeta, Irene Kowaliska.

Todos los demás "tedeschiesi" son buenos, hijo belli, son utili, ma I.K. è un’altra cosa, è un’altra “casa” Madre. Tiene en él el sentido de la muerte (dell'arte). Y la vida extendida.
I.K. trabaja por sustracción, el mínimo absoluto. Ella misma parece alimentarse de nada, nada, no ceder ante el más mínimo deseo. Tienes que luchar, su, en comunión con sus figuras, hecha de poco, abstinencia, de expiación". (Eduardo Alamaro, de Aldea de cerámica de Vietri, 2005)

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Flavio Costantini

“Atormentado por la historia del anarquismo, de los cuales desde 1962 recoge todos los documentos posibles para reconstruir los eventos gráficamente, Flavio Costantini, por el rigor de sus gouaches que modulan la tinta plana, el contraste de la característica de contorno nudoso, filtro-halo en el que se materializan las figuras de los de su anarquista, tan estrechamente relacionada con los oprimidos narrado por Kathe Kollwitz o por Ben Shahn, y con la adición de elementos de collage hábil evocadores, devuelve los hechos y humor con la pasión del gesto Passanante o Ravachol.

Como un paciente de araña que borda estructuras metálicas belle époque, teje los moretones urdimbres comienzo suburbios del siglo, contornos, piedra a piedra, la red de cercanías empedradas Anonymous, telas implacables en el que capturan y fijan para siempre el gesto anárquico.

La funcionalidad del diseño frío y geométrico de la fachada de un edificio o en mosaico un piso de un gimnasio de la escuela, la sugerencia de sus hallazgos: etiquetas viejas, manifieste e testate de época, y la puntualidad de sus citas, la barandilla del balcón quiosco de periódicos, dall'addobbo a la sala de conferencia para el café Libertad, todo conspira para delinear cuidadosamente la realidad evocada por el detalle obsesivo y sueños inquietantes, donde la insistencia de un expande particulares e invierte la perspectiva.” (Paola Palottino, de L'Eternauta, 1982)

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Alberto sesgo

"La figura artística de Alberto Biasi es uno de los más consistentes y autorizada en el ámbito de lo que en Italia se llama arte del Software, y en otros lugares arte óptico, o que también está calificado bajo el término de cinética.

El trabajo de Biasi pertenece a la gran temporada de la Modernidad y neoavanguardia, y contemporáneo - si no antes - la experiencia Gestalt Europea, especialmente francés y alemán, mientras que es sin duda por delante de la llamada Op. American Art.

La intención inicial de trabajar en grupo, el deseo de hacer mensurable la percepción, el deseo de hacer la obra de arte un sistema de percepción universal de añadir a su trabajo - y algunos otros de esos años - un valor utópico que lo hace aún más emblemático de un mundo de valores relacionados con la construcción de un modelo de la percepción mundo, La percepción de la Gestalt de que era una especie de metáfora, una prueba de cómo el sector lingüístico podría y debería ser los nuevos horizontes artísticos y humanos.” (Marco Meneguzzo, de Art parte de culto(horas), eliminar el ruido de fondo, 5 Mayo 2011)

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Joseph Guerreschi

Muchos son los escritos de Joseph Guerreschi, La bibliografía de este pintor milanés es enorme. Quiero recordarlo en los momentos intensos que compartimos con mi marido, cuando llegamos nos e ilustrando sus grabados increíbles visitar, a partir de los años sesenta , hasta su muerte antes de tiempo sólo de cincuenta y seis años de Niza.

Navegar por los montones de gráficos , percibir en virtud de nuestra fuerza alcance del buril, la incisión sufrió en describir el contenido dramático, se convirtió en un ritual donde se unieron a las consideraciones más profundas sobre la guerra, en su "período judeo",en la figura femenina devastado y ofendido . Todo es espectacular en su realismo absoluto, donde no hay lugar para la libre, para la indiferencia. Su mano en el diseño es eficaz, la fuerte marca de calidad y extraordinaria.

El uso de lápices de colores increíblemente equilibrada y decisiva. Algunas pinturas de gran, violento, descriptiva y emocionante que cuenta la guerra en Grecia ,me han acompañado durante tantos años creandomi siempre emocionantes y dolor intenso jamás, aunque el rojo sangre y los restos eran "real", como en realtà.La sufrir Guerreschi llenó todo su ser, por su gran estatura de sus manos gigantes ,Siempre recuerdo que cuando me despedí de la.

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Emma Bonazzi

“La actividad de la Bonazzi es parte de la final del Art Nouveau Klimt italiano que había atraído a artistas tales antecedentes y actitudes diferentes que Casorati, Chini, Jad, Alberto Martin (…).

El contacto con la cultura francesa de la Bonazzi implica conexiones con los artistas italianos que viajan o para la elección de domicilio habían desembarcado en las orillas del Sena, por Umberto Brunelleschi en el primer lugar, Lorenzi, al mismo Alberto Martini, por citar sólo algunos de los muchos implicados en ese tipo de pintura y gráfica decorativa e ilustrativa de’Art Deco. Es esa parte de la técnica que debe mantener, al evaluar histórico y crítico, un destacado papel en la determinación de las costumbres y las tendencias figurativas participar en forma directa de la esfera humana, desde la moda a mostrar”. (Anthony Storelli, en “Hechos y recuerdos de Clementine Academia en Bolonia”, 1974).

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Leonardo Cremonini

Pintor boloñés que se trasladó en los años cincuenta en París donde murió en 2010. Era un hombre muy interesante y sus conversaciones con una copa de buen vino y un plato de buena comida, eran particularmente vívido.

Amigo y frecuentador de los más importantes artistas milaneses de la nueva figuración. Pintor a todos los efectos. En los años cincuenta muchos de sus cuadros están en la cual se representan en muy sangrientos animales al matadero, sangue e carni macilente. Con una técnica de pintura extraordinaria ,No se pudo crear la intensidad emocional y ambiental que van desde interiores domésticos más ambiguas a las soleadas playas de Romaña o la isla de Panarea.

La presencia de niños que corren, jugando a la gallinita ciega, que parecen inquietos u ocultar, es muy frecuente en sus cuadros, como el escape de las imágenes femeninas.

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Arturo Bonfanti

Bergamo artista de rara calidad humana, además de la gran pureza de su obra. Siempre curioso y con ganas de ir entre el diseño, Il Teatro, la pittura, la scultura. Su confianza y su modestia en porgersi es una de las cosas más hermosas que jamás me acordaré de mi larga experiencia en contacto con artistas.

Su pintura que me acompaña día a día, siempre se las arregla para hacerme sentir su presencia física. Me parece escuchar "contar" sus mejores pinturas, in equilibrio e tensione estrema. Sus diseños perfectos, en el que las líneas de lápiz vibran y crean sus formas a veces duro a veces sinuosa. Colores transparentes sobre pavatex. Los óleos sobre lienzo y compacta siempre en armonía con los espacios.

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